Quinquela; un monumento al tributo para honrar la vida ...

...."Vivir la vida no es lo mismo que honrar la vida" ....
"Los hombres no valen por lo que tienen, ni siquiera por lo que son, valen por lo que dan"
....Cuanto hice y cuánto conseguí, a mi barrio se lo debo ...
De ahí el impulso irrefrenable que inspiró mis funciones. Por eso mis donaciones no las considero tales, sino como devoluciones. Le devolví a mi barrio buena parte de lo que él me hizo ganar con el arte".
"Quinquela Martín"
Por medio de una iniciativa privada y con el homenaje de sus 120 años de su nacimiento, a Quinquela le faltaba su monumento que homenajeara su vida y obra artística.
Encontrándonos en una época de grandes desafíos, la preservación del patrimonio cultural, la identidad y el desarrollo de los pueblos, hace que Industrias Culturales Argentinas junto al maestro escultor boquense Antonio Oriana, lleven adelante el monumento para un artista que impulsó al barrio de La Boca.
Se presentó así un gofrado escultórico en papel con molde original de su imágen que fuera inaugurado en el mes agosto, para el 139º aniversario boquense y que será emplazado el 20 de marzo de 2010 al cumplirse su 120º aniversario de su natalicio.
Su historial dice que el 20 de Marzo de 1890 fue dejando en la Casa de Expósitos un niño que se suponía había nacido tres semanas antes, es por eso que el día de nacimiento de Benito ha sido consignado como el 1º de marzo de ése año. Fue bautizado con los nombres de Benito Juan y se le asignó el apellido Martín. Su primer nombre fue en razón de ser bautizado en el día de San Benito Abad, el 21 de marzo. Casi ocho años después, el 16 de noviembre de 1897 es adoptado por el matrimonio formado por Manuel Chinchella, un genovés que trabajaba de carbonero y Justina Molina, correntina empleada doméstica quienes vivían en la Boca del Riachuelo, serían sus protectores donde vivió toda su vida el maestro.

Cursó tan solo los dos primeros grados de la primaria, y luego se dedicó a repartir el carbón que sus padres adoptivos vendían a los vecinos del barrio en su carbonería en la calle Magallanes 885 que hoy lo recuerda como Museo.
Cuando cumplió 15 años su padre que descargaba carbón en el puerto, lo convocó a trabajar con él, pese a su físico poco adecuado para la tarea, pero por su empeño y rapidez le hicieron ganar el apodo de "EL MOSQUITO".
Al poco tiempo, cuando cuenta 17 años, se inscribió en una academia para cursar dibujo y pintura, con el maestro italiano Alfredo Lázzari, quien fue su único maestro. Completó su formación autodidacta a través de lecturas en la biblioteca del Sindicato de Caldereros, y allí descubrió el libro "El Arte" del escultor francés Auguste Rodin, que lo llevó a dedicar su vida a la creación artística comenzando a dibujar con carbón a sus vecinos y el puerto de la Boca, y fué el pintor del Riachuelo como el más popular de los pintores argentinos. Fue descubierto por el pintor Pío Collivadino cuando era director de la Academia Nacional de Bellas Artes y quién alentó a dedicarse a los temas portuarios.
En 1918 y 1920 recibió el 2º Premio del Salón Nacional y fue reconocido en exposiciones que realizó entre 1922 al 28 en Rio, Madrid, N.Y, Paris, Londres, y La Habana como pintor al captar el espíritu del trabajo en una época de pujanza portuaria en la Boca, que lo hizo reconocido y admirado por todos. Comprometido con su barrio y los niños desprotegidos, fundó tres escuelas, Escuela Museo de Bellas Artes "Pedro de Mendoza", la Escuela de Artes Gráficas y el Jardín de Infantes y ayudó a fortalecer la niñez con un lactario, el Instituto Odontológico Infantil y el Teatro de La Ribera.
Su obra trascendió los museos de Europa y América por su motivos portuarios y étnicos del trabajo resaltando el esfuerzo del hombre al decir:
"He querido que el hombre común se reconozca en mi obra, que sienta que su tarea también tiene grandeza, que aprenda a gozar de la belleza de la luz, y el color..."
Así el "hombre" trascendió al artista al realizar los sueños, mejorar la vida de su gente y a la cuál benefició en su condición de filántropo.
Son pocos los que logran primar su vida en el entorno que lo hizo popular, como "Caminito" que le cantó y popularizó Gardel y inmortalizó Quinquela en la pintura con su paleta volcó su espíritu de valores imborrables. El monumento de 2,4 metros de altura será emplazado en el murallón del puerto de La Boca, frente a la Escuela Pedro de Mendoza y Museo de Bellas Artes Benito Quinquela Martín. Este homenaje pretende poner de manifiesto el valor de la figura de Quinquela no sólo por su calidad artística, sino también por su calidad humana y al hombre que hizo primar su sello personal en la vida por encima de la obra.
Supo conservar sus convicciones, su simpleza, sensibilidad y humildad como las características que lo definían, a lo largo de toda su vida.

La iniciativa de Industrias Culturales Argentinas y el maestro Antonio Oriana junto al presidente de ICA Walter Santoro llevan la concreción del esperado monumento al gran Quinquela cuando expresó ;
"A todo hombre que sueña le falta un tornillo. Este tornillo no los volverá cuerdos; por el contrario los preservará contra la pérdida de esa locura luminosa de la que se sienten orgullosos" y en 1948 funda una cofradía de amigos pintores que impondrá "La Orden del Tornillo" que condecoraba a quiénes sobresalían en su ámbito, y no perdieran la cuota de su locura y fantasía propia de soñador en el arte, con un tornillo dorado pendiente de un cordel, eligiéndose como Gran Maestre de la Orden en su atelier que celebraba los domingos con una comida. Ésta distinción alcanzó a 320 personalidades en todo el mundo de diversas disciplinas como el científico Raúl Matera y el impulsor de la calle Caminito Anibal Carrega, músicos como Marianito Mores y Anibal Troilo, actores como Luis Sandrini y Tita Merello y el escritor Ezequiel Martínez Estrada.

Fue Quinquela al que se lo llamó "pintor del Riachuelo" y nadie mejor que él supo imprimir con su paleta en la tela el trazo inconfundible de la República de la Boca como se la llegó a denominar cuándo fue funcionario de cultura y hacer del arte una fidelidad a su gente, al puerto y a su barrio, que lo dejó un 28 de enero de 1977 donde lo esperó su propio ataúd que tenía preparado y decorado multicolor.


Ver sitioweb; http://www.museoquinquelamartin.buenosaires.gov.ar/

Disfrutar en video de la pintura de Pierre-Auguste-Renoir

Espacios Urbanos; ciudad y subjetividad

La Fundación PROA presentó la exhibición de fotografía de Andreas Gursky, Candida Hòfer, Axel Hutte; Thomas Ruff y Thomas Struth, curadas por Ludovico Pratesi, investigador y especialista en fotografïa donde la muestra propone un análisis conceptual de la ciudad a través de las imágenes contmporáneas producidas por la mirada de cada uno de los cinco fotografos alemanes de la Escuela de Dusseldorf. Se presentan 45 obras de los años 80 que los artistas realizaron como trabajos individuales cuando eran compañeros en Dusseldorf y reflexionaban acerca de un tema común: la ciudad.
Se pueden ver así May Day IV de Gursky, salones interiores de las mansiones de Buenos Aires de Cándida Hòfer en gran formato y con un tratamiento conceptual donde se recrea un universo propio existente entre el hombre y el espacio que lo rodea en su implicancia sociocultural. La escuela de Dusseldorf es un referente indiscutible que imprime a la fotografïa su concepto artístico.
Los 5 artistas invitados a la muestra mediante su lenguaje fotografico hacen una mirada analítica de la evolución urbanística de los últimos 40 años. Es una mirada objetiva y a su vez interpretativa en la búsqueda de las relaciones complejas entre el ser humano y su modus-vivendi que lo circunda con sus entornos socioculturales.
En la escuela de Dusseldorf los artistas presentados asistieron las clases de Bernd Becher y tomaron sus sugerencias como idea nueva para la fotografía moderna al documentar la realidad conceptual pero no descriptiva.
Candida Hôfer elimina la presencia de las personas para buscar lugares públicos como teatros y museos para observar sus detalles.
Axel Hutte toma vistas panorámicas desde lo alto para obtener una abstracción onírica como espacio de alucinación y poder explotar los límites de la visibilidad.
Thomas Struth toma la ciudad cultural para recoger sus huellas menos evidentes pero las más representativas en espacios de museos, edificios, plazas y todo aquello que recuerde una memoria anónima.
Thomas Ruff tiene un interés especial por la fotografía de percepción ya sea individual o colectiva en el flujo de sus imágenes que consume la sociedad actual desplegada a través de diferentes temas que van desde el retrato de personas a la pornografía de internet donde lo popular es tratado como social o político.
Andreas Gursky un artista que se aparta de sus maestros convencionales para emprender una definición estructural de la imágen en un solo fotograma con todos sus detalles de reminiscencia con la pintura alemana del renacimiento hasta el romanticismo.
Así los trabajos que reúnen a éstos 5 artistas alemanes transmiten una fuerza de sugestión en sus imágenes de autoreflexión fotográfica coherente que los muestra a sí mismos.
La escuela de Dusseldorf construyó la primera relación perceptual cercana y a la distancia del espectador, de cerca se ven sus detalles reales y a la distancia la hipervisibilidad que muchos fotógrafos recurren a la ampliación digital.
Así Marshall McLuhan sostendrá su concepto que la "simultaneidad usada por la electrónica produce una esfera global del espacio auditivo donde su centro está en todas partes y la circunferencia en ninguna".
La urbanística contemporánea en las grandes ciudades como Amsterdam, Barcelona, Mónaco, Londres y Paris siguen el compacto que las une para ser más habitable y para garantizar la buena vecindad de las grandes metrópolis.
Con-vivir en lo global es hoy encontrar un espacio diferente dotado de sentido para una comodidad urbana mejor y evitar una arquitectura claustrofóbica que nos agobie por la pérdida del sentido de ciudad.
La muestra en Proa estará abierta de martes a domingo de 11 a 19 hs.
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"Galeria Proa: nueva visión en el rumbo del Arte Contemporáneo"

En el barrio más antiguo de la Boca dónde se instaló la inmigración italiana y desarrolló con su puerto una intensa actividad comercial en 1930, hoy tiene sus raíces desde hace 12 años la Fundación Proa con el arte contemporáneo para expresar su poderosa tradición boquense y vanguardia artística en el enclave de la ciudad que tiene su historia, y su actual sede que hoy amplió sus instalaciones a 2300 m2 lo resuelve todo, en una casona de 1880 al funcionar desde principio de siglo XX como ferretería, depósito cerealero y almacén naval y fuera la residencia de Cirilo Dall'Orso ubicado en la Vuelta de Rocha, un lugar de encuentro de la sociedad italiana de antaño.Los inmigrantes establecidos en la Boca dieron impulso al arte con los pintores que allí vivieron, Lacámara, Victorica y Benito Quinquela Martín que retrató su verdadero espítitu de la pujante actividad portuaria en aquellos años.
El enclave de éste nuevo espacio de arte cultural tiene un lugar de reflexión al inaugurar con las obras de un innovador como Dunchamp, que se exponen sus utopías de la vanguardia, el muralismo y el arte participativo, hacen la escenografía de la Boca y Caminito confundir con sus habitantes que son los verdaderos artistas del color al pintar sus casas de chapa con colores llamativos pintorescos.
El nuevo rumbo que pone Proa es dar un golpe de timón para llevar adelante un proyecto ambicioso de integración con el arte, la historia boquense y el avance tecnologíco con el proyecto arquitectónico milanés de Caruso-Torricella para su restauración que aggiornaron con un concepto inspirados, al preservar la fachada original de estilo italiano, habilitar una terraza con visión ampliada con estructura de vidrio, una biblioteca y librería especializada, un auditorio de conferencias y una sala de confitería-restaurant con vista al riachuelo y Puente Transbordador, a su frente como portada del barrio emblemático del lugar.que aporta a mirar el arte como una nueva visión de las cosas. Así la función integradora como centro de arte tiene la contemporaneidad a una respuesta cultural abarcativa de las nuevas expresiones artísticas.
"Proa no es una institución con aspiraciones macro, el proyecto cultural sí es macro, por eso le exige mucho a cada metro construído", sostiene Adriana Rosenberg, presidenta de la fundación.
El arte contemporáneo está mezclado con la vida cotidiana y el nuevo edificio hace parte de un espíritu innovador para continuar siendo contemporáneo en el futuro al incorporar dos casas históricas aledañas para continuar en conservar su percepción antigua y permitir una transformación moderna acorde a su antigua fachada junto a la nueva.
Acerca de Dunchamp que inaugura la obra con su readymade, donde en contraste se desestima la habilidad tecnológica que distinguía a los pintores o al escultor, era en la época industrial que fabricaba un objeto seriado,y si hay tantos en el mundo, porqué seguir sumando más.
Así el mingitorio de Duchamp fué firmado con seudónimo de R.Matt desestimando el valor de su autoría egocéntrica al punto que más adelante usó otro como Rrose Sélavy para adelantarse a conocer como el arte conceptual y la disolución del autor.
En 1921 junto al fotógrafo y cineasta Man Ray como su amigo, lo retrató vestido de mujer con pieles, sombrero, anillos y pulseras que dió que hablar sobre su homosexualidad. Así decidió crear para su alter ego como consagración a Rrose Sélavy que firmó como "Ella" lascivas palabras para acentuar ésta performance lúdica de confusión de roles. No tenía gustos extravagantes ni fantasías sexuales pero en sus escritos manifestaba con ironía que cambiar de sexo era más fácil que hacerse judío o cambiar de religión. Su pensamiento era estar detrás de la figura alquímica del Andrógino que tenía ambos sexos y aludía simbólicamente a la Unidad Primordial más que una cuestión genital.
En su Vade retro A'PART, Duchamp et la peinture decía; que en Francia existe un viejo proverbio que dice: "más estúpido que un pintor" al referirse a los poetas y escritores que eran más inteligentes, yo quería ser inteligente y debía tener ideas para innovar. No tiene sentido hacer lo que hizo tu padre, así como no tiene sentido hacer otro Cézane, y así designó al readymade como palabra inventada para definir una obra de arte que no es tal.
El humor estuvo siempre implícito en los trabajos de Duchamp; así el mingitorio proviene de Fountain (Fuente), es un plato que expulsa un chorro de agua de forma inversa, mingitorio es un "plato" que recibe la orina.
El artista recurre al humor para burlarse de la lógica occidental a la manera de un acertijo para desterrar los clichés académicos (o antiacadémicos como los dadaístas) y de ahí surge el título de la nota de su curadora Eleonora Filipovic,"una obra de arte que no es arte".
Al analizar otra obra de Dunchamp, el "Gran Vidrio" que trabajó en ella desde 1913 hasta 1923 cuándo la dió por definitivamente inacabada donde quiso investigar sobre la perspectiva, la óptica, el azar y el tiempo al alejarse de la pintura para utilizar materiales infrecuentes como alambres de plomo, polvo, óleo y barniz, montado en vidrio y en paneles divisibles, encimados para ser transportados en 1926 a una exposición donde sufre un quiebre accidental.
Así el Gran Vidrio "La Marieé mise au nu par ses celebataires, même; es decir La casada desnudada por sus solteros, era interpretar a "María elevada a las nubes por los bastidores del cielo", por lo cuál se escribió y polemizó mucho para descifrar el sentido oculto de la obra, al interpretar su trama como inalienable "novia" en el panel superior y los obsesivos solteros onanistas abajo con gases y líquidos que hacían una épica visual de esa maquinaria fallida de sexualidad frustrada, hasta que sufrió una rajadura y Duchamp no se enfureció, al contrario dijo; que algo mejoró la obra; el accidente.
Así consiguió invertir la lógica como creador absoluto y dejar actuar las fuerzas ajenas a su voluntad, daba importancia suprema a su lenguaje creativo.
Con el seudónimo de Rrose Sélavy firmó algunas obras de su alter ego femenino en 1920 con provocativos objetos modelados como feuille de vigne and coin de chastete que hizo en 1950 cuándo comenzó en secreto su tableau erótico Etand Donné ya que el juego fonético francés suena como Eros (C´estla nie,o arroser la vie) una temática concebida por paredes pulsantes forradas en tercopelo verde que respiraban y jadeaban semejando el interior corpóreo-vaginal, se sentía un aire perfumado en un piso de arena con parlantes que emitían el sonido profundo de respiración femenina.
Los catálagos diseñados por Duchamp se titulaban "Boite Alerta" y para sus amigos en la exhibición mandó hacer manoplas de hombre y mujer para provocar la sensación de poder tocar la obra y repetir lo que le gustaba decir; Eros, c'est la vie!!.
Su obra que conservó como secreto entre sus amigos hasta su muerte y que autorizó bajo testamento su exhibición posterior fué; Etand Donnés (1946-66), una puerta para los curiosos que gustaban espiar por una doble mirilla; en su interior se veía en 3D a una mujer acostada desnuda con una vela encendida en su mano izquierda levantada y separada de piernas, que muchos de los visitantes interpretaban como La casada desnudada por sus solteros ó mejor interpretar su clave algorítmica del deseo.
En el sitio puede verse un gráfico animado de las energías invisibles de la obras que Duchamp realizó a lo largo de su vida, en; http://www.understandingduchamp.com/
Otra obra en cuestión fué L.H.O.O.Q (1919) mas conocida como la "Gioconda con bigotes" a la que tituló "La Joconda" y le agregó barba con lápiz, que en francés suena como chiste subido de tono ( Elle a chaudau cul, ella está caliente por el ...) al querer desmistificar al maestro renacentista Leonardo.
Duchamp ha tenido una descendencia bastarda de los que quedaron en el chiste y el escándalo, pero también consiguió sus seguidores que se empeñaron como él a entender el mundo en su realidad objetiva y el humor para tomar las cosas como una cuestión escencial.
Fotos cortesía Suc. Marcel Duchamp Villiers-Sous-Grez-Francia
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PROA se inaugura con Duchamp con "Arte que no es obra de arte"

El nombre que toma ésta nota como subtítulo es a una pregunta que Marcel Duchamp escribió un día en 1913, ¿"Puede hacer uno obras de arte que no sean arte..."?....
Depués de 2 años de reconstruir el espacio de la galería que tocó su fin para el 22 de noviembre al inaugurar éste hermoso espacio ampliado a 2300 m2, es un nuevo concepto para las actividades plásticas a desarrollar.
Éste concepto es la descripción que hace Adriana Rosenberg directora de la Fundación PROA é ideóloga de éste proyecto museológico de vanguardia que se instaló en 1996 sobre el Riachuelo de la Boca, que hoy cristaliza el sueño de crecer con las exposiciones de artes plásticas y un auditorio con avanzada tecnología para permitir instalaciones sonoras y visuales donde también se harán conciertos y proyecciones múltiples.

En la terraza con vista panorámica al Riachuelo estará la confitería espaciosa sin límite con fachadas de vidrios transparentes y salas aggiornadas con condiciones museológicas de última generación.

Así es como queremos desembarcar con una expo que reviva 140 obras del período Duchamp entre 1887-1968, dice su directora y hacerla inédita ya que se comenzó exhibiéndose en el Museo de Arte Moderna de San Pablo para luego llegar a la Boca aumentada con el aporte del coleccionista Jorge Helft que dispone de mucha obra del autor y con la colaboración de Jacqueline Mattise Monnier, hijastra y heredera de Duchamp, aportó la investigación y producción de la muestra con la curadoría de Elena Filipovic. También se reunieron obras de coleccionistas privados y museos del mundo como Philadelphia Museum of Art, Indiana University Art Museum, Centre Pompidou de Paris y Moderna Museum de Estocolmo que aportó una de las obras más importantes; "La Mariée mise a nu par ses Célibataires meme, más conocida como el "Gran Vidrio". Adriana su directora nos dice que,"tener a Duchamp es una decisión porque la apertura tiene que ver con los 12 años anteriores con maestros de la historia del arte con la pintura, y hoy queremos diferenciar la mirada del siglo XXI con Duchamp que lo posibilitó en la primera mitad del siglo XX y ésta es la nueva apuesta de PROA al tener la primera obra de Duchamp que vá cumplir 95 años y ser considerado el fundador de la ruptura del arte".

Hoy la vigencia de Duchamp se basa en la experimentación con una visión de futuro en la masificacion industrial donde interpretó los múltiplos en contra de la idea conceptual, así tomó un mingitorio, lo firmó y expuso como obra de arte al cuestionar al arte en sí en su concepto primordial originando una ruptura en contra de lo convencional y cuestionarse una pregunta; ¿Puede uno hacer una obra que no sea una obra de arte?.

Hoy PROA tiene su historia que le permite el desafío de producir muestras de nivel internacional al incorporar el Readymade en juegos, piezas ópticas, objetos eróticos y material fotográfico de los surrealistas del 30 hasta el 60, el pequeño Vidrio colgado en un balcón de Buenos Aires, réplicas y miniaturas y imágenes estereoscópicas con colecciones privadas de museos europeos.

Ésta fiesta se coronará estrenando el auditorio el 20 y 21 de noviembre con un coloquio internacional sobre Marcel Duchamp y los panelistas invitados hablarán sobre el universo Duchamp y serán; Paul Franklin, director del coloquio, Elena Filipovic, curadora de la muestra, Jean-Jacques Lebel, primer artista de happening, Francis Naumann, galerista y curador de Duchamp, Molly Nesbit, investigadora y profesora de arte moderno de la Universidad de California, Michael Taylor, curador de arte moderno de Philadelphia Museum Art y Bernard Marcade, crítico y profesor de historia del arte en la Escuela Nacional Superior de Arte de París-Clergy.

Fotos cortesía Suc. Marcel Duchamp Villiers-Sous-Grez-Francia
http://www.proa.org/
http://www.proa.org/exhibiciones/futura/pagina1.html

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http://www.proa.org/informacion/video2.html

La Era RODIN en Buenos Aires

El escultor de rigor académico que cambió el rostro con su aporte renovador a la escultura en el siglo XIX, es la muestra itinerante de 75 obras escultóricas que se exhiben en el Museo de Arte Decorativo en Buenos Aires que aporta el espacio al permitir la muestra actualizar la relación particular que existió entre Rodín y los dueños de la mansión Matías Errázuriz y Josefina de Alvear con las obras precedentes del Museo Soumaya de México y Ponce de Puerto Rico, patrocinados por Telmex y Claro del empresario Slim que recala en distintos destinos y los visitantes al apreciar éstas obras sentirán en el aire la sensación del mármol hecho de carne, el bronce hecho de músculo y la materia hecha de espíritu.

Por tratarse de un artista genio desató en 1894 la polémica y escándalo con acciones judiciales porque consiguió anticipar en su época los criterios estéticos que marcaban le detracción del arte en el siglo XX por lo cuál se creó tanta animosidad contra su persona.
Jean Baptise Auguste Rodin nació un 12 de noviembre de 1840, de origen humilde, su madre Marie Chaffer tres años antes había nacido su hermana Marie, a diferencia de ella le gustaba el dibujo y era trevieso y rebelde y después de estar internado en Beauvais bajo la tutela de un tío paterno, fué devuelto a su casa por incorregible. Al entrar en la madurez era miope y sus dibujos que a él mismo poco le importaban surgieron en una exposición en 1900 cuando fueron descubiertos como obras de arte y estaban tan exparcidos por derecho propio que se continuaron hallando más de ocho mil.
Estudió las artes decorativas de donde se recibió en 1857 y realizar trabajos de ornamentación como dedicarse a enseñar clases de desnudo en vivo y obtener el primer premio en modelado y segundo en dibujo. Para poder sobrevivir trabajaba en escultura ornamental con el artesano Blanché con un salario de 5 Francos por día hasta que conoció los Padres del Santísimo Sacramento que advirtieron su vocación por la escultura y cedieron un cobertizo en el jardín como taller de trabajo y que practicara su arte.

Allí realizó el busto del padre Eymard que lo había acogido y percibió su sensibilidad por la observación que Rodín tenía hacia las transformaciones de la época como la revolución industrial, la fotografía y el arte de Manet que consiguió enfurecer al público con su "Almuerzo sobre la hierba" dónde una mujer desnuda participaba de un pic-nic junto a dos señores vestidos, mientras otra mujer se bañaba semidesnuda en una laguna. Y eso no fué el único escándalo de Manet ya que su obra Olimpia en 1865 es un desnudo provocativo inspirado en la Venus de Ticiano.
Trancurrió Rodín su adolescencia en tiempos de Mme Bovary, de Flaubert y Boudelaire que provocaron mucha indignación en la sociedad moralista. Era la época donde se acentuaban las diferencias entre la fotografía que comenzaba a imponerse frente al arte plástica en decadencia y se imponía la arquitectura con las grandes construcciones de estaciones ferroviarias con el avance del uso del hierro que fascinaba a los impresionistas como Monet que terminó siendo amigo de Rodín.

Continuaron las férreas construcciones de pabellones de Les Halles de Baltard o la biblioteca de Saint-Genevieve de Labrouste. Durante sus continuos trabajos ornamentales, Rodín conoce a Albert-Ernest Carrieu Belleuse, autor de una estatua ecuestre de pedestal que lo convocó a trabajar en Bruselas dónde se construían edificios ornamentados durante varios años, aprovechaba en vender por su cuenta pequeñas estatuas de adorno lo que indignó a Belleuse y lo despidió en el mismo año que moría su madre.

Después de un impase de 13 años que nada se supo de su vida, viaja a Florencia y hace su descubrimiento con la estatua de Miguel Angel y muy angustiado contó; "Todas las estatuas son de apremio tan angustiante que parecían romperse a sí mismas" por la presión demasiado fuerte de su desesperación, comenzó a imprimir toda su fuerza para alentar su persona para trasmitir a la piedra y el metal la luz de su inspiración. Esa luz que el mármol tiene, la hizo reflejar en su modelado aterciopelado en sus obras y en el bronce su acabado perfecto con la fuerza vital.

Muchos críticos de la época en su modelado en vivo lo aceptaban, pero otros criticaban hasta el infundio sus trabajos al presentar sus obras en el Salón parisiense en 1877. Sin embargo "La era del bronce" fué el impacto que premiaron en el Salón y el Estado le compró para los jardines de Luxemburgo la obra que se mantuvo varios años hasta su traslado en Auteuil.

Con el Pensador en bronce obtiene la mayor frustración de su carrera cuando fué a coronar las "Puertas del Infierno" por encargo del Estado en 1880, para destinar a un pórtico del Museo de Arte Decorativo que nunca se terminó.

En París, en el jardín del Hotel Biron, sede del Museo Rodín las figuras múltiples de diferentes formas se destaca la "Divina Comedia" como una obra de torbellino vertiginoso y su inspiración proviene de la "Puerta del Paraíso" de Ghiberti.

En 1884 comenzó a trabajar en el taller como modelo la bella Camille Claudet, hermana del poeta católico Paul Claudet y Rodín se enamoró pese a los 20 años de diferencia menos en su relación la que no fué apacible por ser culta y refinada frente a la medianía intelectual de Rodín. Las tormentosas relaciones dieron lugar a varias separaciones durante 15 años frente a sus amantes consiguieron desequilibrar la psiquis de Camille hasta culminar internándose en un hospicio dónde murió pobre y olvidada en 1813.

Otro cuestionamiento tuvo el escultor con el municipio de Calais en 1884 cuando quería erigir a los ciudadanos de la guerra de los Cien Años ofrecieron ejecutase por el levantamiento al asedio de la ciudad por los burgueses en Calais vestidos con sayos y encadenados ofrecìan al Rey las llaves de la ciudad, sólo la Reina Felipa de Hainault arrodillada pidiendo clemencia a su marido les salvó la vida.

Trás muchas disputas Rodín consiguió inaugurar el monumento en 1895 y la duquesa de Choiseul que se autollamaba la Musa inspiradora del maestro en complicidad con su marido complicó a Rodín con ventas de piezas descartadas en una casona fuera de París dónde recibía a los personajes nobles como Eduardo VII de Inglaterra para vender condecoraciones por sumas importantes.
Durante la Primera Guerra Mundial en 1919 el frío le provoca una apoplegía para terminar con una neumonía y morir el 17 de noviembre y ser sepultado junto a su mujer Rose que murió 3 años antes en Meudon y sobre su tumba inmortal está la estatua del Pensador.

Sus últimas palabras fueron " El mundo sólo será feliz cuando todos los hombres tengan alma de artistas, es decir, cuándo todos sientan el placer de su labor"

En los trabajos de Rodín se inspiraron algunos de sus sucesores que en Argentina fueron Yrurtia, Fioravanti y Lagos que aceptaron su genio innovador, un arte que no fué olvidado.

De nota de Ernesto Schoo

El Rembrandt que resultó real

Creían que era una copia y descubren que fue pintado por él

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LANACION.com | Cultura | Viernes 20 de junio de 2008